Teatro, Cine, TV y Series
Venecia 2019: las mejores películas y lo más destacado de un festival algo insípido
Se terminó. Tras once días consumiendo compulsivamente pantallas la 76ª edición de la Mostra de Venecia, el festival de cine más antiguo del mundo y aún hoy uno de los más relevantes, llega a su fin. Toca el inevitable balance de sensaciones que nos ha dejado el Lido durante nuestra estancia y, a partir de ellas, cuál es el estado de la cita italiana en el contexto cinematográfico actual.
La primera y más clara lección alcanzada estos días es que el rey del cine de autor, Cannes, está más que a salvo. En años anteriores se rumoreaba que los italianos podían sorpassar en nivel cinematográfico a los franceses, dado que la competición cannoise tendía a copar su competición oficial con autores consolidados y anquilosados, sin espacio para nuevos talentos, y que, sumado eso a la cercanía temporal de la Mostra con los Oscars y la permisividad italiana con las plataformas VOD (Cannes veta la participación de quien no haga un estreno convencional cediendo parte del pastel a los distribuidores galos, aro por el que no pasan Amazon o Netflix), permitía que pudiese alinearse una competición más estimulante.
Timothée Chalamet en la presentación de The King
Pero la Biennale de Alberto Barbera es hoy un híbrido de plataforma lanzadera de títulos hollywoodienses oscarizables sólo un poco mejores que la media, escaparate de plataformas de streaming y cementerio de dinosaurios cinematográficos. A la primera categoría pertenecen ‘Joker’, ‘Ad Astra’ o ‘Mosul’; a la segunda el triplete de Netflix (‘Marriage Story’, ‘The Laundromat’ y ‘The King’), Amazon Studios (‘Seberg’) o Sky-HBO (‘Zerozerozero’, ‘The New Pope’); a la tercera y última, cineastas que parecen haber recibido el beso de la muerte como Polanski (‘J’Accuse’), Loznitsa (‘State Funeral’), Roy Andersson (‘About Endlessness’) o Atom Egoyan (‘Guest of Honour’). Sólo un puñado de jóvenes (o no muy viejos) directores salen del paso airosos, categoría a la que pertenecen el italiano Pietro Marcello (‘Martin Eden’) o Shannon Murphy (‘Babyteeth’).
Otro de los aspectos que más ha destacado durante estos días es el tocante a la selección de la programación. No uno ni dos, sino varios periodistas nos hemos preguntado si los programadores de esta Biennale están bien, si tal vez necesitan un abrazo.
Painted Bird, del checo Václav Marhoul
Son muchas las películas que han dejado de manifiesto una enorme crueldad y desencanto ante la humanidad, con poco espacio para la esperanza. El mensaje de varias películas consistían en un grito sordo contra la idiocia de la sociedad, caso de ‘J’Acusse’ (Polanski criticando a las masas influenciables), ‘Joker’ (el mal que irremediablemente engendra la vileza de los hombres), ‘Waiting the Barbarians’ o ‘A Herdade‘ (en ambos casos, un sistema en marcha radicalmente injusto pero imposible de detener).
Hasta cuando los filmes de competición pretendían denunciar el mal sistémico para intentar cambiarlo, el gesto se ha revelado estéril, caso de ‘The Laundromat’, en la que Soderbergh lanza una campaña contra los mercados que nace muerta. Aunque quien se lleva la palma es sin duda ‘Painted Bird‘, de Václav Marhoul, la película más vil de todas la que hemos visto aquí, un escaparate de calamidades sin fin donde caben apaleamientos, violaciones y torturas múltiples contra niños como parábola sobre el Holocausto que dudosamente logra sus objetivos. No todas las películas han hecho gala de estos preceptos, pero, en casi todos los casos en que la película seleccionada tenía un mensaje de alguna forma político, éste se encaminaba en esta dirección.
J’accuse, de Roman Polanski
Ese espíritu desencantado de la selección también ha ido unido en ciertos momentos a una visión reaccionaria, conservadora y al mismo tiempo compleja, interesante desde el punto de visto artístico, aunque no por ello menos problemático, que niega en última instancia ese lugar común que afirma que todo el arte está copado por izquierdosos.
Todas las películas citadas dos párrafos antes forman parte de esta visión de distintas maneras y en distintos grados (algo especialmente claro en las películas de Polanski y Phillips), pero no son las únicas: ‘Martin Eden’, la gran gema del festival, es un relato desesperanzador cuyo mensaje último puede leerse como el inevitable fracaso del individuo al intentar escapar de su contexto, cual tragedia platónica. ‘The perfect candidate’, de Haifaa Al Mansour, sirve como supuesto modelo de liberación femenina en la represora cultura saudita, pero en verdad se lee como manifiesto ideológico del reformismo cosmético del príncipe MBS. Incluso alguien tan poco sospechoso de derechismo como Costa-Gavras presentaba ‘Adults in the Room’, una divertida crónica sobre la subyugación de la Grecia de Syriza a Europa y su Troika que cuenta con un involuntario mensaje antieuropeísta.
El director del festival, Alberto Barbera, junto al director Nate Parker.
Como vemos, la 76ª edición de la Mostra ha demostrado una y otra vez que existe la posibilidad de un cine cultureta no progresista, y esto es algo que también va como anillo al dedo a las diferentes posturas que el certamen ha demostrado en torno a la cuestión feminista: la Mostra decidió meter en competición a Polanski y a Nate Parker en una sección paralela, en ambos casos directores sobre los que pesan denuncias por violación y al menos en el caso del polaco con una obra de escasa calidad y originalidad.
Para hacer las cosas aún más difíciles, sólo dos mujeres directoras entraban en competición frente a 19 hombres. ¿La excusa? Según Barbera que “la historia del arte está llena de hombres que han cometido crímenes, pero no por ello se deja de considerar sus obras”. En vista de los pobres resultados cinematográficos, la no inclusión de películas de mujeres sólo para dar cabida a propuestas masculinas mediocres pero de autores reconocibles es un gesto político. A favor del establishment y en contra de la diversidad.
Así que sí, se ha tratado de un festival un poco insípido que, si bien no lo jubila, sí confirma a Cannes como un refugio cinéfilo inalcanzable para sus rivales. Por eso mismo se nos hace imposible hacer un top 10 de lo visto, como veréis más adelante (si quieres consultar las puntuaciones de todas las películas vistas entra aquí, y para leer los filmes comentados, aquí). Por suerte para todos, de alguna forma heroica el cine se sigue abriendo camino, y, pese a que no nos sale afirmar que haya habido más de tres películas verdaderamente fuertes, sí se han vislumbrado recovecos de inspiración que alimentan nuestras ganas de seguir buscando.
Top de Venecia 2019
Marriage Story
‘Historia de un matrimonio’, de Noah Baumbach
Una poderosa alternativa vital a la forma de entender los divorcios. Una celebración de la dirección de actores que engrandece a Scarlett Johansson, Adam Driver y Laura Dern por igual. Una tragicomedia tan voluble, tan creíble, que cala muy hondo.
Martin Eden
‘Martin Eden’, de Pietro Marcello
Una alegoría histórico biográfica sobre un hombre lleno de fuerza y dolor que sirve como espejo de nosotros mismos. Un collage de recursos audiovisuales de infinitas capas discursivas que sabe contar y emocionar.
Ema
‘Ema’, de Pablo Larraín
Deslumbrante retrato generacional con un personaje central con la fuerza de mil soles y un personaje secundario invisible, la cultura musical urbana contemporánea. Imposible apartar la mirada.
Otras películas que también pueden interesarte:
‘Saturday Fiction’, de Lou Ye: complejísimo y oscuro (literal) noir hermosamente filmado que juega constantemente con los planos de realidad que corre el riesgo de ser olvidada por los distribuidores por ser una producción china centrada en algunos elementos culturales poco amenos para los occidentales.
‘Joker’, de Todd Phillips: un entretenimiento sólido, un actor principal entregado a su pirotecnia interpretativa, una novedosa forma de hacer trascencer la franquicia superheróica en algo más que un vehículo de licencias (aunque sin dejar de serlo).
‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen: entre el efectismo, el trolleo y la conquista de la incertidumbre. Para quien quiera dejarse sorprender.
‘Adults in the Room’, de Costa-Gavras: ‘Crisis de Europa: la salvación de Grecia Syriza’s edition’. Como una detallista y aturullada partida de rol en vivo del funcionamiento de las instituciones europeas con Alexis Tsipras y Yanis Varoufakis como protagonistas. Por momentos risible, en otros sobreexplicativa, en todo momento interesantísima.
‘Blanco en Blanco’, de Theo Court: una festejable carta de valía de su director, un buen retratista de paisajes agrestes que también sabe vestirlos para aportarles un mensaje robusto, aunque no excesivamente original.
‘Giants being Lonely’, de Grear Patterson: el autor revelación del festival, alguien que se atreve a narrar algo tremendamente trillado (un coming of age desencantado del mundo de los adultos) con un original uso del encuadre y la elipsis.
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La noticia Venecia 2019: las mejores películas y lo más destacado de un festival algo insípido fue publicada originalmente en Espinof por Esther Miguel Trula.
Teatro, Cine, TV y Series
«Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal» cierra su temporada en Sarandiarte Espacio Cultural
El sábado 23 de noviembre a las 21:30 hs, Sarandiarte Espacio Cultural será el escenario de la última función de Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal, una obra que combina la potencia del biodrama con un enfoque crítico e irónico sobre las diferencias sociales. Con la dirección de David Bogado y la dramaturgia de Ayelén Fernández Galech, esta pieza se despide tras cautivar al público con su mezcla de realidad y ficción.
Una historia que une amor y desigualdad
La obra se basa en cartas escritas por «El Negro», guardadas por la propia Ayelén, que reconstruyen una relación amorosa entre un joven de barrio y una actriz aspiracional recién llegada a la ciudad. Este biodrama, protagonizado por tres actrices y cuatro actores, ficcionaliza vidas reales, borrando los límites entre lo verdadero y lo imaginario.
Con una narrativa que desafía prejuicios y estereotipos, Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal presenta un retrato complejo de dos mundos sociales que se cruzan, ofreciendo una experiencia escénica cargada de ironía y reflexión.
Un equipo comprometido con la creación
La puesta en escena cuenta con un destacado equipo técnico-artístico:
- Dramaturgia: Ayelén Fernández Galech
- Elenco: Syria, Malena Belén Carpintero, Ayelén Fernández Galech, Bruno Gómez, Germán Gómez, Ezequiel Matías Guerrini y Camila Antonella Villalba
- Diseño sonoro: David Bogado
- Diseño de iluminación: Machi
- Fotografía y diseño gráfico: Daniela Morán
- Producción: Sarandiarte
- Dirección y puesta en escena: David Bogado
Esta coproducción con Sarandiarte Espacio Cultural cuenta además con el apoyo del Consejo Provincial de Teatro Independiente (CPTI), reafirmando su compromiso con el teatro independiente y de calidad.
Sobre David Bogado
El director David Bogado es un destacado referente del teatro independiente. Con una sólida formación en puesta en escena, dramaturgia e iluminación, Bogado ha desarrollado una trayectoria que abarca la dirección, actuación y escritura teatral.
Fundador de ClanDestino Teatro y creador de la editorial Monstra, su trabajo explora temas como la memoria, la identidad y las desigualdades sociales. En su rol de docente, colabora activamente con espacios culturales como Sarandiarte y la Usina de Barracas.
Las entradas para la última función de Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal están disponibles en la boletería de Sarandiarte Espacio Cultural o a través de la plataforma Alternativa Teatral.
Teatro, Cine, TV y Series
La obra “DESPERFECTO DE PAREJA” sigue todo noviembre en (la pausa) Teatral
La obra codirigida por Sebastián Kirszner y Claudio Hamed.📅 Funciones: Sábados 20; 30 hs.
📍 Teatro: (La Pausa) Teatral – Luis Viale 625
Las entradas se compran por Alternativa.
Sandra y Miguel están juntos hace más de 20 años y la crisis los supera. Aconsejados por el terapeuta de Miguel, salen hacia la costa para intentar rescatar el amor. Pero… el auto se descompone en el medio de la ruta 2… Tendrán que hacer una videollamada de emergencia con sus terapeutas e iniciar una sesión de pareja, para intentar salvarla… ¿podrán?
PALABRAS DE SEBASTIÁN KIRSZNER, CODIRECTOR Y DRAMATURGO.
Desperfecto de Pareja se escribió a lo largo de varios años, en varios procesos de reescritura, hasta llegar a su última versión escrita en el 2024, luego de un encuentro con mi colega amigo Claudio Hamed, en él decidimos embarcarnos en su puesta en escena. Habíamos trabajado en otros proyectos – él como actor y yo como director – y en este caso conformaríamos dupla autor – director. Él además de dirigir, actúa la obra, y yo además de escribir colaboró con la puesta en escena.
El texto trabaja sobre imágenes en torno a los conflictos cotidianos de una pareja, en convivencia con sus terapias personales, devenidas en una paródica dupla de terapéutica que prueban sobre ellos un nuevo dispositivo terapéutico. Una comedia muy cercana al público que se verá reflejado en esta dupla amorosa.
PALABRAS DE CLAUDIO HAMED, CODIRECTOR Y ACTOR.
Es una excusa para jugar, y encontrarse en este ritual tan bello que es el teatro. Un equipo conformado por actores y actrices con los que ya trabajé, y esa confianza nos da un punto de partida de mucha ventaja. Además, la simbiosis de roles, actor-director en mi caso, dramaturgo-director-sala en el caso de Sebastián, nos permite tomar decisiones que hacen crecer la propuesta día a día. El material está hecho a medida para nosotros, para que nuestra potencia de actuación pueda fluir con libertad, para que la obra pueda llegar al público desde la risa, y también desde un lugar emotivo.
DESPERFECTO DE PAREJA
FICHA TÉCNICO – ARTÍSTICA
Libro: Sebastián Kirszner
Actúan: Marina Arias Vivarelli, Claudio Hamed, Pablito Lancone, Liliana Nuñez
Escenografía: Leandro Massari
Comunicación: Pablito Lancone
Diseño gráfico: Milagros Gonzalez Nario
Prensa y comunicación: Pablito Lancone
Asistencia de dirección: Joaquín Mujica
Dirección: Claudio Hamed y Sebastián Kirszner
El próximo sábado 9 de noviembre a las 17 hs en el Teatro Caras y Caretas 2037, se estrena La Bicha, una obra de creación colectiva dirigida por Violeta Marquis y protagonizada por Sol Zaragozi y Malena Laurent. Esta pieza de melodrama sci-fi transcurre en un pasado distópico donde las máquinas desarrollan deseos y voluntades propias, explorando un vínculo inquietante entre tecnología y humanidad.
La historia sigue a Leticia, un ama de casa que vive en constante acecho de su propia aspiradora, hasta que encuentra ayuda en una doctora que opera en los márgenes de la medicina. Este planteo abre la puerta a una crítica social profunda en clave cómica, indagando en la relación entre sociedad de consumo, cuerpos, ciencia y género. La directora, Violeta Marquis, comenta: «La obra busca, a través de un universo fantástico y en tono de comedia, reflexionar sobre cómo habitamos nuestro mundo y proyectar nuevas formas posibles».
Seleccionada en la tercera edición del Ciclo Les Actuantes, esta obra forma parte del compromiso del Teatro Caras y Caretas 2037 de dar espacio a nuevas voces escénicas y propuestas disruptivas que desafíen el teatro tradicional. Con solo cuatro funciones en noviembre, La Bicha invita a sumergirse en un mundo donde los roles se desdibujan y lo cotidiano se transforma en una distopía provocadora.
Estreno: Sábado 9 de noviembre a las 17 hs – Teatro Caras y Caretas 2037 (Sarmiento 2037, CABA)
Entrada general: $14.000 (descuentos a estudiantes y jubilados) por Alternativa.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Autoría: Malena Laurent y Sol Zaragozi / Actúan: Malena Laurent y Sol Zaragozi / Vestuario: Malena Laurent / Escenografía: Nazarena Cofferati / Diseño de luces: Rodo Eversdijk / Fotografía: Anabella Sarrias Colaboración artística: Luna Schapira / Músico: Sebastián Sonenblum / Dirección de movimiento y coreografía: Fioreya / Prensa: Prensópolis / Producción: Antonella Fagetti / Dirección: Violeta Marquis / Agradecimiento: Eugenio Scholnicov
Sol Zaragozi Actriz. Se formó en el Sportivo Teatral con Ricardo Bartis y en la Escuela de Actuación de Nora Moseinco. Se encuentra finalizando la Licenciatura en Actuación en la Universidad Nacional de las Artes.
En teatro ha participado como actriz en: «Llanto a Sueldo» (2023, Microteatro), dirigida por Maria Forni; «Desertoras» (2023, El Grito), dirigida por Violeta Marquis y estrenada en la Bienal de Arte Joven 2022, y ganadora del Festival Internacional de Teatro Universitario en la Universidad Nacional Autónoma de México; “Como Ivo vivo” (2022), dirigida por Manuela Iseas y Daniel Junowickz (obra estrenada en el marco de la convocatoria Obras de UNA, de la Universidad Nacional de las Artes; «Ensayo para una Polifonía Nacional» con dirección de Mariana Gracia Guerreiro y Verónica Grande (Obra ganadora del Fauna, 2019); y «Desierto Animal» (2019) con dirección de Juan Prada. En cine protagonizó: «Milagro de Otoño» (2018) de Néstor Zapata (ganadora del premio al mejor largometraje en el Festival Internacional de Cine de Medellín, Colombia; premio al Mérito Largometraje en The Accolade Global Film Competition de San Diego; California-EE. UU.; y el premio del público en el Festival Internacional de Cine Latino de Punta del Este, Uruguay).
Malena Laurent Actriz y docente. Se formó actoralmente en la Universidad Nacional de las Artes y en el Sportivo Teatral. Algunos de los espectáculos donde actuó fueron: «Il Turco en Italia», dirigida por Pablo Maritano en el Teatro Colón; «El Relato», dirigida por Bernardo Cappa; y «Yo conmigo», performance de su autoría estrenada en el marco del 3er Festival de Teatro Urgente, coordinado por Lisandro Rodríguez en Estudio Los Vidrios. En cine participó en «Flipper», dirigida por Matías Szulansky; y en «Lola», de Francisco Capua. En 2023, ganó la beca del Fondo Nacional de las Artes para la producción del espectáculo «La Bicha», en el cual se desempeña como actriz actualmente.
Violeta Marquis Directora, dramaturga, actriz y productora. Es Licenciada en actuación por la Universidad Nacional de las Artes y está cursando Dramaturgia en la EMAD.
Escribió y dirigió: «La Burbuja», estrenada en el Festival “Pequeña Voz” (curado por Mariana Mazover); y «Desertoras», seleccionada en La Bienal de Arte Joven y ganadora del FITU en México. Además, escribió las obras “Llanto a sueldo” y “Vampiro de alma”, para Microteatro.
Actuó en «Por tu Pelo» (Microteatro) y en «Por qué tu pelo me recuerdo a un bosque» (Timbre 4) dirigidas por Flor Dyszel; y en «Azafatas» (2018, Teatro La Gloria) dirigida por Martín Otero.
En el año 2018 realizó el workshop de creación grupal dictado por las Piel de Lava de donde surgió «Villa Lych», obra en la que actuó y dirigió de manera colectiva. En el año 2021, actuó y dirigió de manera colectiva la obra «Machos Cabríos». Además, trabajó como productora en diversas obras teatrales, en el CC 25 de Mayo en el área de Comunidades, y en el CCK en el marco del programa Vacaciones para armar. Hace más de 8 años que se desempeña en la docencia, tanto en talleres de teatro como en espacios académicos en la Universidad Nacional de las Artes.
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