Teatro, Cine, TV y Series
‘Cementerio de animales’ (1989): cómo una tragedia zombi con gato dio forma a una de las mejores adaptaciones de Stephen King
Empecemos con un detalle que quizás venga bien para hacerse a la idea de por qué es especial el universo ‘Cementerio de animales’, cuyas encarnaciones más perfectas son la novela de Stephen King y la adaptación de 1989 dirigida por Mary Lambert con guión del propio King: «Semetery» está mal escrito, es una transcripción fonética. «Cementerio» en inglés se escribe «Cemetery». Pero ese error, en ese contexto, inyecta una atmósfera muy especial al relato, entre rural y desolada, parte infantil (los niños usan el cementerio para enterrar a las mascotas) y parte sin modernizar (los restos de la cultura india que hay en el cementerio MicMac).
Aunque algo de eso queda en el remake recién estrenado, da la impresión de que en 2019 es un recurso meramente cosmético (la publicitada procesión de niños conecta con la moda del folk horror), porque luego la nueva película es mucho menos rural que el libro y la primera adaptación. En ambas (pero más en la obra de King, como veremos) hay un acercamiento mundano a la muerte y sus ritos, y sin embargo, a la contemplación de esta también como algo cotidiano, inevitable, que forma parte del día a día. Una visión que no hace demasiados años era muy habitual, aún más en entornos rurales.
Esa atmósfera, entre banal y encantada, es la que da una personalidad especial a una película aplastada por el peso de la fatalidad, que es un poco la esencia del cuento en el que se inspira sin disimulo el libro de King, ‘La pata de mono’ de W. W. Jacobs, publicado originariamente en 1902. Se trata de un cuento clásico de terror moral en el que una familia pide deseos a una pata de mono mágica, que se van cumpliendo con terribles consecuencias laterales. Una de ellas es la resurrección de un joven muerto, que aparece ante sus padres convertido en un monstruo putrefacto.
Hasta ‘Los Simpson’ tuvieron su Pata de Mono.Es decir, que la novela tiene mucho de cuentecillo de terror con moraleja, y de ahí ciertas convenciones como la escasez de personajes y escenarios, que la película de Lambert respeta: la casa del matrimonio protagonista, el cementerio de animales y el indio, y poco más. En este caso quienes se atreven a desafiar el peso del destino son la familia Creed, una familia con un hijo y una hija pequeños. Se instalan cerca de un cementerio de animales al que el padre, acompañado de un vecino que vive allí desde siempre, no tiene más remedio que volver cargando con el gato de su hija, muerto en un accidente.
Un cementerio indio que hay más allá del de animales, en las profundidades del bosque, resucita a los muertos. Pero el gato que vuelve de la tumba no es el mismo que antes: ahora es mucho más agresivo y feroz. Y a la familia aún le queda mucho por padecer: un miembro de la familia más muere, y el padre, desoyendo las advertencias de su vecino, decide llevarlo al cementerio indio para volver a tenerlo a su lado. Tampoco volverá siendo el mismo.
‘Cementerio de animales’: no profanar el sueño de los muertos
El proyecto de la adaptación nació a principios de los ochenta, en plena fiebre por las adaptaciones de King espoleadas por el éxito de ‘Carrie’ o ‘El resplandor’. En 1984 King vendió los derechos a su amigo George A. Romero por 10.000 dólares y éste llegó a escribir un guión, pero dejó el proyecto para encargarse de ‘Atraccción diabólica’. El proyecto estuvo estancado porque en Paramount pensaban que el interés en las adaptaciones de King había remitido, pero volvió a darle luz verde en 1988, cuando a causa de la huelga de guionistas temió quedarse sin estrenos suficientes.
Debido a la huelga, fue el propio King quien escribió el guión, convirtiéndose así en la primera adaptación que el escritor hacía de una obra propia, aunque no era exactamente su primer guión. Anteriormente había escrito guiones originales para ‘Creepshow’, y basadas a medias en cuentos suyos en ‘Los ojos del gato’, además de un par de episodios de la serie ‘Cuentos desde la oscuridad’. King se reservó el derecho a aprobar al director o directora, pero quedó entusiasmado en su encuentro con la primera propuesta de Paramount, Mary Lambert, una tremenda conocedora de su obra
Esa devoción de Lambert se percibe en el resultado, que empapa la película de guiños a la novela y al universo de Stephen King, y que da a una producción que llega tarde a la fiebre de las adaptaciones del escritor cierto aura de producción mimada. Por ejemplo, en los títulos de crédito podemos oír frases de niños despidiéndose de sus mascotas: uno de ellos es el vecino, Jud, despidiéndose de su perro de chaval, cuya historia oiremos más tarde. También veremos la lápida de una chica que enterró allí a su mascota mucho tiempo antes. En general, el escenario del cementerio tiene algo de teatral y artificioso, como si a Lambert no le importara que fuera evidente que no es creíble que aquello esté enmedio de un bosque.
Más guiños que demuestran que Lambert sabe lo que se hace: cuando el cadáver de un joven llega a la enfermería con la cabeza destrozada tras un accidente, vemos una noticia en un panel de anuncios que habla de que en el cercano pueblo de Castle Rock, un San Bernardo rabioso ha atacado a una familia. Habla, por supuesto, de Cujo, uno de los guiños más recurrentes del multiverso King. Son elementos que demuestran que Lambert leyó la novela de cabo a rabo (el guiño a ‘Cujo’ está también, en otra forma, en la novela), e integró muchas historias de fondo como elementos en tercer o cuarto plano en la novela.
Y luego, por supuesto, los Ramones, una de las presencias musicales eternas en la literatura de Stephen King como banda sonora y ruido de fondo, que aparecen en ‘Cementerio de animales’ por partida doble: su ‘Sheena is a punk rocker’ es la canción que va escuchando el camionero que provoca el accidente de desata el desastre. Y ‘Pet Sematary’, claro, es el increíble temazo ramoniano que suena en los créditos finales, compuesto por De Dee ramone para su último disco acreditado en la banda como bajista (aunque en realidad no llegó a tocar en él): el infravaloradisímo ‘Brain Drain’. El guiño que se hace a «Sheena…» en el remake, por cierto, es uno de los momentos más simpáticos de la versión 2019.
Signos de identidad: el Wendigo y el meta-zombi
Pero hubo un elemento de la novela que Lambert no quiso incluir en su adaptación, y con muy buen juicio: la presencia del Wendigo, una criatura del folclore algonquino (uno de los grupos nativoamericanos más numerosos y extendidos). Se trata de un monstruo comedor de humanos que puede poseer a las personas y dotarlas de características sobrehumanas: se le identifica con el asesinato y múltiples comportamientos afines a toda clase de tabúes, como el canibalismo. En la novela vaga por los bosques y llega a aparecer físicamente ante el protagonista, cuando este se encamina al cementerio indio con un cadáver.
Lambert no quiso mostrarlo, pero tampoco renunció a citarlo. Cada vez que los personajes se adentran en el bosque, se oye una especie de crujido y ramas rotas que podrían ser el Wendigo y que quienes conocen la leyenda, como Jud, reciben con desconfianza. La primera vez que está guiando a Creed al cementerio para resucitar al gato Church, reacciona con desconfianza a esos sonidos, como si el Wendigo los vigilara. Es una presencia invisible pero real, y que da una atmósfera opresiva y de cuento tradicional oscuro a la película, sin necesidad de hacerlo explícito.
El Wendigo.
El otro ingrediente distintivo de esta versión del libro de King está en el personaje de Pascow, el espectro que se aparece al doctor Creed para advertirle de los peligros de difuminar las fronteras entre vivos y muertos. Su intervención está cargada de humor negro, casi paródico, muy similar a sus apariciones en el libro de King. Pero en la película de Lambert tiene una significación extra: es un zombi de finales de los ochenta (para subrayar la importancia de esta presencia, no hay más que fijarse en el título español de la época: ‘Cementerio viviente’.
George A. Romero dio un giro de ciento ochenta grados al género a finales de los setenta con su ‘Zombi’, que dejó claro que el muerto viviente era un monstruo que funcionaba como lienzo en blanco, versátil y lleno de significados adaptables a otros géneros. Por ello, en los ochenta, la comedia se lo apropió en películas como ‘Re-Animator’ o ‘El regreso de los muertos vivientes’. Con la fórmula zombi semiagotada después de clásicos en los ochenta como ‘Muertos y enterrados’, ‘El terror llama a su puerta’ o el remake del film original de Romero, Lambert usó a los muertos vivientes con humor y autoconsciencia, en una de las grandes últimas películas de la fiebre zombi antes de un paréntesis antes de la nueva explosión de ‘El amanecer de los muertos’.
Hay todavía una derivación más de la novela de Stephen King, una secuela de 1992 dirigida también por Mary Lambert y protagonizada por un Edward Furlong post ‘Terminator 2’ e infinitamente más chiflada que esta, con más animales resucitados, angustia teen y muchos más muertos. Muy, muy revisitable, pero nosotros nos quedamos con la versión original de Lambert, tétrica, decadente y moral. Sus excelentísimos efectos especiales prácticos de David LeRoy Anderson, su atmósfera oscura y neblinosa y su estreno en un momento en el que el género iba camino de tierra de nadie le dan un lugar muy especial dentro del cine de terror en los ochenta.
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La noticia
‘Cementerio de animales’ (1989): cómo una tragedia zombi con gato dio forma a una de las mejores adaptaciones de Stephen King
fue publicada originalmente en
Espinof
por
John Tones
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Teatro, Cine, TV y Series
«Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal» cierra su temporada en Sarandiarte Espacio Cultural
El sábado 23 de noviembre a las 21:30 hs, Sarandiarte Espacio Cultural será el escenario de la última función de Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal, una obra que combina la potencia del biodrama con un enfoque crítico e irónico sobre las diferencias sociales. Con la dirección de David Bogado y la dramaturgia de Ayelén Fernández Galech, esta pieza se despide tras cautivar al público con su mezcla de realidad y ficción.
Una historia que une amor y desigualdad
La obra se basa en cartas escritas por «El Negro», guardadas por la propia Ayelén, que reconstruyen una relación amorosa entre un joven de barrio y una actriz aspiracional recién llegada a la ciudad. Este biodrama, protagonizado por tres actrices y cuatro actores, ficcionaliza vidas reales, borrando los límites entre lo verdadero y lo imaginario.
Con una narrativa que desafía prejuicios y estereotipos, Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal presenta un retrato complejo de dos mundos sociales que se cruzan, ofreciendo una experiencia escénica cargada de ironía y reflexión.
Un equipo comprometido con la creación
La puesta en escena cuenta con un destacado equipo técnico-artístico:
- Dramaturgia: Ayelén Fernández Galech
- Elenco: Syria, Malena Belén Carpintero, Ayelén Fernández Galech, Bruno Gómez, Germán Gómez, Ezequiel Matías Guerrini y Camila Antonella Villalba
- Diseño sonoro: David Bogado
- Diseño de iluminación: Machi
- Fotografía y diseño gráfico: Daniela Morán
- Producción: Sarandiarte
- Dirección y puesta en escena: David Bogado
Esta coproducción con Sarandiarte Espacio Cultural cuenta además con el apoyo del Consejo Provincial de Teatro Independiente (CPTI), reafirmando su compromiso con el teatro independiente y de calidad.
Sobre David Bogado
El director David Bogado es un destacado referente del teatro independiente. Con una sólida formación en puesta en escena, dramaturgia e iluminación, Bogado ha desarrollado una trayectoria que abarca la dirección, actuación y escritura teatral.
Fundador de ClanDestino Teatro y creador de la editorial Monstra, su trabajo explora temas como la memoria, la identidad y las desigualdades sociales. En su rol de docente, colabora activamente con espacios culturales como Sarandiarte y la Usina de Barracas.
Las entradas para la última función de Necesidad de amar por encima de la apropiación marginal están disponibles en la boletería de Sarandiarte Espacio Cultural o a través de la plataforma Alternativa Teatral.
Teatro, Cine, TV y Series
La obra “DESPERFECTO DE PAREJA” sigue todo noviembre en (la pausa) Teatral
La obra codirigida por Sebastián Kirszner y Claudio Hamed.📅 Funciones: Sábados 20; 30 hs.
📍 Teatro: (La Pausa) Teatral – Luis Viale 625
Las entradas se compran por Alternativa.
Sandra y Miguel están juntos hace más de 20 años y la crisis los supera. Aconsejados por el terapeuta de Miguel, salen hacia la costa para intentar rescatar el amor. Pero… el auto se descompone en el medio de la ruta 2… Tendrán que hacer una videollamada de emergencia con sus terapeutas e iniciar una sesión de pareja, para intentar salvarla… ¿podrán?
PALABRAS DE SEBASTIÁN KIRSZNER, CODIRECTOR Y DRAMATURGO.
Desperfecto de Pareja se escribió a lo largo de varios años, en varios procesos de reescritura, hasta llegar a su última versión escrita en el 2024, luego de un encuentro con mi colega amigo Claudio Hamed, en él decidimos embarcarnos en su puesta en escena. Habíamos trabajado en otros proyectos – él como actor y yo como director – y en este caso conformaríamos dupla autor – director. Él además de dirigir, actúa la obra, y yo además de escribir colaboró con la puesta en escena.
El texto trabaja sobre imágenes en torno a los conflictos cotidianos de una pareja, en convivencia con sus terapias personales, devenidas en una paródica dupla de terapéutica que prueban sobre ellos un nuevo dispositivo terapéutico. Una comedia muy cercana al público que se verá reflejado en esta dupla amorosa.
PALABRAS DE CLAUDIO HAMED, CODIRECTOR Y ACTOR.
Es una excusa para jugar, y encontrarse en este ritual tan bello que es el teatro. Un equipo conformado por actores y actrices con los que ya trabajé, y esa confianza nos da un punto de partida de mucha ventaja. Además, la simbiosis de roles, actor-director en mi caso, dramaturgo-director-sala en el caso de Sebastián, nos permite tomar decisiones que hacen crecer la propuesta día a día. El material está hecho a medida para nosotros, para que nuestra potencia de actuación pueda fluir con libertad, para que la obra pueda llegar al público desde la risa, y también desde un lugar emotivo.
DESPERFECTO DE PAREJA
FICHA TÉCNICO – ARTÍSTICA
Libro: Sebastián Kirszner
Actúan: Marina Arias Vivarelli, Claudio Hamed, Pablito Lancone, Liliana Nuñez
Escenografía: Leandro Massari
Comunicación: Pablito Lancone
Diseño gráfico: Milagros Gonzalez Nario
Prensa y comunicación: Pablito Lancone
Asistencia de dirección: Joaquín Mujica
Dirección: Claudio Hamed y Sebastián Kirszner
El próximo sábado 9 de noviembre a las 17 hs en el Teatro Caras y Caretas 2037, se estrena La Bicha, una obra de creación colectiva dirigida por Violeta Marquis y protagonizada por Sol Zaragozi y Malena Laurent. Esta pieza de melodrama sci-fi transcurre en un pasado distópico donde las máquinas desarrollan deseos y voluntades propias, explorando un vínculo inquietante entre tecnología y humanidad.
La historia sigue a Leticia, un ama de casa que vive en constante acecho de su propia aspiradora, hasta que encuentra ayuda en una doctora que opera en los márgenes de la medicina. Este planteo abre la puerta a una crítica social profunda en clave cómica, indagando en la relación entre sociedad de consumo, cuerpos, ciencia y género. La directora, Violeta Marquis, comenta: «La obra busca, a través de un universo fantástico y en tono de comedia, reflexionar sobre cómo habitamos nuestro mundo y proyectar nuevas formas posibles».
Seleccionada en la tercera edición del Ciclo Les Actuantes, esta obra forma parte del compromiso del Teatro Caras y Caretas 2037 de dar espacio a nuevas voces escénicas y propuestas disruptivas que desafíen el teatro tradicional. Con solo cuatro funciones en noviembre, La Bicha invita a sumergirse en un mundo donde los roles se desdibujan y lo cotidiano se transforma en una distopía provocadora.
Estreno: Sábado 9 de noviembre a las 17 hs – Teatro Caras y Caretas 2037 (Sarmiento 2037, CABA)
Entrada general: $14.000 (descuentos a estudiantes y jubilados) por Alternativa.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Autoría: Malena Laurent y Sol Zaragozi / Actúan: Malena Laurent y Sol Zaragozi / Vestuario: Malena Laurent / Escenografía: Nazarena Cofferati / Diseño de luces: Rodo Eversdijk / Fotografía: Anabella Sarrias Colaboración artística: Luna Schapira / Músico: Sebastián Sonenblum / Dirección de movimiento y coreografía: Fioreya / Prensa: Prensópolis / Producción: Antonella Fagetti / Dirección: Violeta Marquis / Agradecimiento: Eugenio Scholnicov
Sol Zaragozi Actriz. Se formó en el Sportivo Teatral con Ricardo Bartis y en la Escuela de Actuación de Nora Moseinco. Se encuentra finalizando la Licenciatura en Actuación en la Universidad Nacional de las Artes.
En teatro ha participado como actriz en: «Llanto a Sueldo» (2023, Microteatro), dirigida por Maria Forni; «Desertoras» (2023, El Grito), dirigida por Violeta Marquis y estrenada en la Bienal de Arte Joven 2022, y ganadora del Festival Internacional de Teatro Universitario en la Universidad Nacional Autónoma de México; “Como Ivo vivo” (2022), dirigida por Manuela Iseas y Daniel Junowickz (obra estrenada en el marco de la convocatoria Obras de UNA, de la Universidad Nacional de las Artes; «Ensayo para una Polifonía Nacional» con dirección de Mariana Gracia Guerreiro y Verónica Grande (Obra ganadora del Fauna, 2019); y «Desierto Animal» (2019) con dirección de Juan Prada. En cine protagonizó: «Milagro de Otoño» (2018) de Néstor Zapata (ganadora del premio al mejor largometraje en el Festival Internacional de Cine de Medellín, Colombia; premio al Mérito Largometraje en The Accolade Global Film Competition de San Diego; California-EE. UU.; y el premio del público en el Festival Internacional de Cine Latino de Punta del Este, Uruguay).
Malena Laurent Actriz y docente. Se formó actoralmente en la Universidad Nacional de las Artes y en el Sportivo Teatral. Algunos de los espectáculos donde actuó fueron: «Il Turco en Italia», dirigida por Pablo Maritano en el Teatro Colón; «El Relato», dirigida por Bernardo Cappa; y «Yo conmigo», performance de su autoría estrenada en el marco del 3er Festival de Teatro Urgente, coordinado por Lisandro Rodríguez en Estudio Los Vidrios. En cine participó en «Flipper», dirigida por Matías Szulansky; y en «Lola», de Francisco Capua. En 2023, ganó la beca del Fondo Nacional de las Artes para la producción del espectáculo «La Bicha», en el cual se desempeña como actriz actualmente.
Violeta Marquis Directora, dramaturga, actriz y productora. Es Licenciada en actuación por la Universidad Nacional de las Artes y está cursando Dramaturgia en la EMAD.
Escribió y dirigió: «La Burbuja», estrenada en el Festival “Pequeña Voz” (curado por Mariana Mazover); y «Desertoras», seleccionada en La Bienal de Arte Joven y ganadora del FITU en México. Además, escribió las obras “Llanto a sueldo” y “Vampiro de alma”, para Microteatro.
Actuó en «Por tu Pelo» (Microteatro) y en «Por qué tu pelo me recuerdo a un bosque» (Timbre 4) dirigidas por Flor Dyszel; y en «Azafatas» (2018, Teatro La Gloria) dirigida por Martín Otero.
En el año 2018 realizó el workshop de creación grupal dictado por las Piel de Lava de donde surgió «Villa Lych», obra en la que actuó y dirigió de manera colectiva. En el año 2021, actuó y dirigió de manera colectiva la obra «Machos Cabríos». Además, trabajó como productora en diversas obras teatrales, en el CC 25 de Mayo en el área de Comunidades, y en el CCK en el marco del programa Vacaciones para armar. Hace más de 8 años que se desempeña en la docencia, tanto en talleres de teatro como en espacios académicos en la Universidad Nacional de las Artes.
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