El proyecto electrónico oscuro Manufracture Music, liderado por el productor y artista Valerian Steel, lanza su nuevo single “Tearfall”, una obra que se sumerge en un paisaje sonoro postapocalíptico donde la melancolía, la pérdida y la fragilidad de la esperanza se convierten en protagonistas.

“Tearfall” no habla de la batalla, sino de lo que queda cuando el ruido se apaga. La canción construye una atmósfera cargada de imágenes poéticas: estandartes rotos, tambores en silencio, espadas dobladas y estrellas que se desvanecen. Cada capa sonora funciona como un eco de ese mundo en ruinas, donde el tiempo parece detenerse y la memoria pesa más que el presente.

Desde lo lírico, el track reflexiona sobre el agotamiento emocional tras el conflicto, los corazones unidos por el duelo y las identidades que se disuelven en medio de la oscuridad. Es un final marchito, una caminata lenta entre cenizas que invita a sentir, recordar y, por un momento, desaparecer en la negrura.

El lanzamiento viene acompañado por un impactante video oficial que traduce esa poesía sombría en imágenes en movimiento. Decadencia, silencio y resignación visual se entrelazan con la música, reforzando la sensación de impermanencia y pérdida. Audio y visual se funden en una meditación melancólica que deja huella.

Manufracture Music es un proyecto que se mueve en la intersección del EBM, Gothic, Darkwave e Industrial EDM, conocido por sus paisajes sonoros emocionalmente cargados y su estética distópica. A través de una producción cuidada y atmósferas pulsantes, Valerian Steel explora la tensión entre lo digital y lo humano, creando universos sonoros que invitan tanto al baile como a la introspección.

Además, el artista desarrolla proyectos paralelos como “Fourtyfica on*5” (EDM) y “Music_of_Synergia” (Ambient), ampliando su exploración musical hacia otros territorios electrónicos.

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La música electrónica también puede contar historias. Y Alex Augier lo demuestra con fuerza en su nuevo álbum The Lyrical Age, una obra que combina sensibilidad, tensión y profundidad conceptual para invitar al oyente a un recorrido emocional tan íntimo como colectivo.

Lanzado el 7 de noviembre de 2025 a través del sello oqpo Records, The Lyrical Age se posiciona como uno de los trabajos más ambiciosos y narrativos dentro de la escena electrónica contemporánea, apostando por una experiencia que va mucho más allá del beat: una verdadera travesía sensorial.

El título del álbum toma inspiración de una expresión del escritor Milan Kundera, quien asociaba “la edad lírica” con la juventud: un momento de exaltación, sensibilidad extrema y una mirada casi ingenua del mundo.

En este contexto, Alex Augier resignifica esa idea y la traslada al presente. The Lyrical Age propone una lectura poética de nuestra época, retratando a la humanidad como si estuviera atravesando su propia adolescencia: un tiempo de transformación, de excesos, de búsqueda y, sobre todo, de posibilidades infinitas.

El resultado es un disco que se mueve entre lo personal y lo universal, conectando emociones individuales con un paisaje social en constante cambio.

A nivel musical, el álbum despliega una electrónica narrativa, inmersiva y profundamente emocional. Las composiciones alternan entre:

• Pasajes etéreos e introspectivos, que invitan a la contemplación.
• Momentos más abrasivos y tensos, donde la energía se vuelve protagonista.

Esta dinámica construye verdaderas “montañas rusas” sonoras que apelan tanto al cuerpo como a la mente, generando climas cinematográficos que hacen de cada track una escena dentro de una historia mayor.

Alex Augier se consolida así como un artista que entiende la música electrónica no solo como un lenguaje rítmico, sino como una herramienta para narrar estados emocionales, conflictos internos y transformaciones colectivas.

Con The Lyrical Age, Augier reafirma su identidad artística y da un paso firme dentro del circuito internacional de música electrónica conceptual. El álbum no solo destaca por su producción cuidada y su estética sonora, sino también por su capacidad de generar una conexión genuina con quien lo escucha.

Para quienes buscan algo más que una playlist para bailar, este disco se presenta como una invitación a frenar, escuchar y dejarse atravesar por una obra que dialoga con el presente desde un lugar sensible y profundo.

Escuchá y seguí a Alex Augier

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Desde las afueras de Chicago, Illinois, Ash Fault Jungle se consolida como un proyecto que conecta la energía cruda del hard rock de los años 80 con una producción moderna y actual. Lanzada oficialmente en enero de 2021, esta banda de estudio estadounidense nació de la visión de C. Stevans, músico, productor e ingeniero con una extensa trayectoria en la industria musical que se remonta a los años 90.

Lejos de las giras tradicionales, Ash Fault Jungle apuesta por un enfoque creativo en estudio, donde cada canción se construye como una pieza sonora detallada, potente y emocionalmente directa. El proyecto se nutre de una fuerte impronta colaborativa, sumando músicos invitados en diferentes producciones y ampliando su universo musical en cada lanzamiento.

El sonido de Ash Fault Jungle bebe de fuentes clásicas y eclécticas. Entre sus principales influencias se destacan bandas y artistas como Saigon Kick, Brother Cane, Goo Goo Dolls, Iron Maiden, Fuel, Skid Row, Mötley Crüe, Shotgun Messiah y The Beatles. Esta combinación se traduce en una propuesta que mezcla riffs contundentes, melodías pegadizas y una sensibilidad moderna que dialoga tanto con el pasado como con el presente del rock.

El nuevo lanzamiento, “Lipstick Lies”, se presenta como una explosiva fusión de glam metal y hard rock, con claras influencias de Brother Cane y Shotgun Messiah. La canción se construye sobre un riff de guitarra sólido y una línea de bajo arrolladora, creando una base rítmica que empuja la historia desde el primer segundo.

En lo lírico, el track se sumerge en una narrativa intensa: una relación marcada por la infidelidad, la traición y la búsqueda de adrenalina y dinero, donde el engaño se convierte en motor de conflicto. Ash Fault Jungle logra capturar ese sentimiento de desilusión y quiebre emocional, algo que ya resonó con los primeros oyentes, quienes destacaron la fuerza de la letra y su conexión directa con experiencias reales.

“Lipstick Lies” no solo refuerza la identidad rockera del proyecto, sino que también abre una puerta a un costado más crudo y confesional, ideal para quienes buscan canciones con peso emocional y una impronta sonora clásica, pero con pulso contemporáneo.

A partir de 2026, el proyecto suma una nueva voz al frente: Steve E. Stevans se convierte en el vocalista principal de Ash Fault Jungle. Su interpretación aporta un matiz más visceral y expresivo, potenciando el costado narrativo de canciones como “Lipstick Lies” y marcando un punto de inflexión en esta etapa creativa de la banda.