La escena del metalcore suma una nueva voz que no viene a pedir permiso. Desde Westfield, Indiana, la banda emergente Lipocalypse presenta su más reciente single, “Pretty Girl”, un lanzamiento tan emocional como demoledor que transforma la vulnerabilidad en fuerza y la belleza en un acto de resistencia.

Frontados por la poderosa vocalista Raven Hale, Lipocalypse construye un universo sonoro donde la delicadeza cinematográfica convive con estallidos de screams death metal, logrando una experiencia que se mueve entre la introspección y la furia sin perder intensidad en ningún momento.

En lo lírico, “Pretty Girl” se planta firme frente a una realidad incómoda: cómo la belleza y la vulnerabilidad suelen ser subestimadas, silenciadas o incluso atacadas. Pero lejos de caer en el victimismo, la canción propone algo más contundente: sobrevivir también es una forma de rebelión.

“‘Pretty Girl’ es sobre el momento en que te das cuenta de que la suavidad no significa debilidad. Es sobre que te digan que sos frágil, descartable o nada… y decidir hacerte escuchar en lugar de achicarte”, explica Raven Hale.

La voz de Hale se convierte en el eje emocional del tema, alternando entre pasajes melódicos cargados de sensibilidad y explosiones vocales que canalizan rabia, determinación y empoderamiento.

Musicalmente, Lipocalypse encuentra puntos de contacto con bandas como Evanescence en su profundidad melódica, pero avanza con decisión hacia un territorio más pesado dentro del metalcore moderno. Guitarras aplastantes, ritmos dinámicos y atmósferas densas envuelven una interpretación vocal que equilibra luz y oscuridad con una precisión quirúrgica.

“Quería que las voces sonaran como dos verdades coexistiendo: la parte de vos que todavía cree en la luz y la parte que ya no se va a quedar callada sobre lo que tuvo que atravesar para sobrevivir”, agrega Hale.

Hay canciones que no envejecen: esperan. Y eso es exactamente lo que sucede en Palabras, el álbum debut de Andrés Compagnucci, un trabajo que reúne composiciones escritas hace más de 25 años y las trae al presente con una mirada artística renovada, honesta y profundamente emocional.

Arquitecto, músico y compositor argentino, Compagnucci construye en este disco un puente entre quien fue y quien es hoy. Las canciones, nacidas entre la adolescencia y los primeros años de la adultez, encuentran en esta nueva versión una voz atravesada por la experiencia, arreglos actuales y una producción que privilegia la claridad sin perder intensidad.

Palabras no es un ejercicio de nostalgia. Es una reconciliación con esas primeras canciones y con el impulso creativo que las hizo nacer. Grabadas más de dos décadas después de haber sido escritas, las composiciones conservan la emoción original, pero suman una madurez sonora que las resignifica.

El álbum funciona como un diálogo entre épocas: lo que se sentía entonces y lo que se comprende hoy. Un gesto artístico que apuesta por la honestidad y la experiencia, sin mirar atrás con melancolía, sino con convicción.

Enmarcado dentro del rock pop argentino, Palabras pone el foco en la melodía y en la fuerza de la palabra. El disco recorre distintos climas emocionales, alternando momentos introspectivos con pasajes más enérgicos, y abordando temas como el paso del tiempo, la búsqueda personal y la esperanza.

Entre los lanzamientos previos al álbum se destaca “Chatarra”, una canción que suma una capa conceptual clave al universo de Palabras. El tema propone una crítica directa a la comunicación en esta época atravesada por las redes sociales: la cercanía que aparentan y, al mismo tiempo, la frialdad que muchas veces conllevan.

“Chatarra” cuestiona esa necesidad constante de mostrar y vivir una vida distinta todos los días a través de la pantalla, y plantea una invitación clara: volver a valorar a quienes tenemos al lado y nuestro espacio verdadero. En ese sentido, el track se convierte en un reflejo contemporáneo dentro de un álbum que une pasado, presente y mirada crítica sobre el ahora.

El proyecto alternativo Silas Grime vuelve a escena con un lanzamiento que no busca el golpe directo, sino la marca profunda. Su nuevo single, “Eroding Grace”, se presenta como una pieza de post‑grunge y rock alternativo moderno que explora el desgaste del tiempo, la fe y el costo silencioso de convertirse en lo que otros necesitan.

Desde Indianápolis, Indiana, Silas Grime continúa construyendo una identidad artística deliberadamente ambigua, donde la música funciona como un registro emocional del paso de los años, la responsabilidad y la aceptación después de la lucha. En este nuevo corte, la confrontación da paso a la transformación: no hay derrota, hay erosión. Y en esa erosión, algo nuevo encuentra su lugar para crecer.

Producida por Jeremy Dearringer, “Eroding Grace” apuesta por un enfoque que prioriza el espacio, la textura y la contención. La instrumentación se apoya en técnicas tradicionales del rock, combinadas con métodos experimentales de producción, logrando una atmósfera “climática” donde cada silencio pesa tanto como cada acorde.

“Queríamos que se sienta curtida por el clima. No rota: curtida. Como una estructura que sigue en pie, pero donde se pueden ver todas las tormentas que sobrevivió. La belleza de la canción está en lo que queda, no en lo que suena más fuerte”, explica Dearringer.

El resultado es una canción que deja respirar a la letra, permitiendo que la narrativa se desarrolle sin apuros ni excesos. Más que volumen, hay peso emocional. Más que urgencia, hay reflexión.

Con base en Indianápolis, Silas Grime se presenta como un proyecto de rock alternativo que evita las respuestas fáciles. Su obra gira alrededor de la erosión espiritual, el envejecimiento, la resistencia y los costos invisibles de sostenerse en el tiempo.

Más que ofrecer resoluciones, sus canciones documentan ese momento posterior a la tormenta: cuando la lucha ya pasó y lo que queda es una calma extraña, honesta y cargada de significado.